resonanzen fünf
»fantasy & farewell«

Das Programmheft ist digital! Lest und schaut und hört vor dem Konzert oder danach. Währenddessen lieber den Blick auf die Bühne richten oder im Saal umherschweifen lassen. Und die Ohren öffnen für das, was kommt. Im Anschluss an das Konzert steht Euch wieder alles zur Verfügung.

Inhalt

Konzertprogramm

Vorwort von Marie-Sünje Schade

Zum Programm: fantasy & farewell

Ralph Vaughan Williams: Fantasia on a theme of Thomas Tallis

Hubert Parry: Songs of Farewell

Edward Elgar: Introduction and Allegro op. 47

Joanna Marsh: Threadlands

Texte und Übersetzungen

Abschied auf Zeit...

Besetzung

Konzertprogramm

RIAS Kammerchor Berlin
Justin Doyle Dirigent
Ensemble Resonanz

Liebe Freundinnen und Freunde des Ensemble Resonanz,  

Ende. Punkt. Schluss.

Das klingt erst einmal hart. Vielleicht sogar beängstigend.

Wer beschäftigt sich schon gern mit dem Ende – mit dem Aufhören, dem Loslassen, der eigenen Endlichkeit? Und gleichzeitig gehört das Beenden zu unserem Alltag: Einen Tag zum Beispiel. Wir schließen die Augen, lassen ihn hinter uns. Das kann auch etwas Beruhigendes haben, uns zur Ruhe kommen lassen. Ein Ende ist kein leerer Punkt. Denn das, was war, verschwindet ja nicht einfach. Es bleibt, es verändert sich, wird Teil von uns – und zum Anfang von etwas Neuem.

Genau in diesem Spannungsfeld bewegt sich unser heutiges Programm: »fantasy & farewell«: Abschied wird zum Katalysator für Wandel, Fantasie zur Kraft des Prozesshaften.

Die Werke dieses Abends kreisen auf sehr unterschiedliche Weise um diese Gedanken. Sie blicken zurück – wie in der Fantasie von Ralph Vaughan Williams, die ein jahrhundertealtes musikalisches Material aufgreift und in etwas Gegenwärtiges verwandelt. Sie nehmen Abschied – wie in den »Songs of Farewell« von Hubert Parry, entstanden in einer Zeit tiefster persönlicher und gesellschaftlicher Erschütterung. Und sie zeigen, wie stark Vergangenheit und Gegenwart ineinander verwoben sind – wie bei Edward Elgar, der Tradition und Virtuosität neu zusammendenkt. Und dann ist da »Threadlands« von Joanna Marsh. Ein Auftragswerk des RIAS Kammerchor, uraufgeführt mit dem Ensemble Resonanz unter der Leitung von Justin Doyle.

Marsh, die selbst zwischen Kulturen lebt, stellt darin Fragen nach Herkunft und Identität – danach, was wir an Vergangenheit mitnehmen und was wir loslassen. Im Zentrum steht das Bild eines Fadens: etwas, das sich durch unser Leben zieht, uns verbindet, uns prägt. Ein Faden, der Geschichten weiterträgt – über Generationen hinweg. Der verbindet, aber sich auch verheddern kann. Ein Ende erscheint hier nicht als klarer Schnitt, sondern als Teil eines größeren Zusammenhangs: als etwas, das weiterwirkt, sich fortsetzt, sich verwandelt.

Was begegnet uns also in diesem Programm? Verschiedene Perspektiven auf das Ende – und die Idee, dass es vielleicht keinen endgültigen Schlusspunkt gibt. Sondern dass Ende immer auch Transformation bedeutet. Dass Abschied Räume öffnen kann. Und dass aus dem, was war, etwas Neues entsteht.

In diesem Sinne wünschen wir Ihnen einen Abend voller Nachhall,
voller Erinnerung
– und voller Vorstellungskraft.

Ihre
Marie-Sünje Schade

(Künstlerisches Management & Geschäftsführung)

»Es geht um Nachhall, um Erinnerung, um Momente des Innehaltens. Die Fantasie ist dabei wichtig, weil sie einen Raum öffnet. Einen Raum, in dem wir Abschied überhaupt erst reflektieren und verarbeiten können«, so Stimmen aus dem Ensemble Resonanz.

Mit vier Werken britischer Komponistinnen und Komponisten präsentieren der RIAS Kammerchor Berlin und das Ensemble Resonanz unter der Leitung Justin Doyle ein musikalisch wie semantisch facettenreiches Programm, das zur Kontemplation und Reflexion einlädt.

Bereits ein Blick auf die Werktitel sowie ihre Besetzungen verrät viel über die jeweilige Form der Auseinandersetzung mit Vergangenem. Vaughan Williams verarbeitet in seinem Instrumentalwerk »Fantasia on a theme of Thomas Tallis« ein historisches Chorwerk, das sowohl musikhistorisch als auch biografisch für den Komponisten von großer Bedeutung ist. Ähnlich steht es um Edward Elgars »Introduction and Allegro«, das die bereits in der Barockzeit etablierte Abfolge langsamer und schneller Sätze aufgreift und sie in der Tradition des Concerto grosso instrumentiert und neu interpretiert. Wörtlicher wird es bei Hubert Parrys »Songs of Farewell«, die das Lebewohl bereits im Titel wie im Libretto explizit adressieren. Abgerundet wird das Konzert durch die Uraufführung von »Threadlands«, dem jüngsten Werk der Komponistin Joanna Marsh. Hier wird die Verwobenheit von Leben, Identität, Kultur und Tradition in einem gemeinsam mit dem Librettisten Mark Fiddes erarbeiteten, bewegenden Narrativ als musikalisch-poetisches Kunstwerk für Chor und Orchester reflektiert.

So entsteht ein Programm, das nicht nur Abschied nimmt, sondern auch danach fragt, was bleibt – Konsequenzen aus Vergangenem zieht und dadurch die Zukunft gestaltet.

Ralph Vaughan Williams – Fantasia on a theme of Thomas Tallis

Nicht ohne Grund schafft es Williams’ »Fantasia on a Theme by Thomas Tallis« regelmäßig in die Top 5 des britisches Radiosenders Classic FM. Der englische Musikkritiker und ehemalige Chefredakteur der Times, Frank Howes, verglich die Erhabenheit des einsätzigen Werkes mit jener einer Kathedrale – treffender lässt sich diese Musik kaum beschreiben. Gleich zu Beginn erklingen choralartig gesetzte Streicher, die nahezu orgelgleich in einem homogenen Klang verschmelzen. Gelegentlich durch gezupfte Melodiefragmente unterbrochen, schimmert der zugrundeliegende Hymnus von Thomas Tallis immer deutlicher durch. Williams lässt dabei nicht nur die Oberstimme der »Third Mode Melody«, sondern auch vereinzelte Fragmente der Mittelstimmen solistisch hervortreten, bevor der Hymnus als Ganzes schließlich von Celli und Bratschen nahezu gesungen wird. Die weitgehende Beibehaltung von Tallis‘ Harmonisierung verstärkt den nostalgischen Charakter und die an alte Zeiten erinnernde phrygische Klangcharakteristik. Zugleich überführt Williams die historische Vorlage in einen für ihn charakteristischen, prallen und intensiven Streicherklang und erweitert sie um neuere harmonische Wendungen.

Zur monumentalen Erscheinung der Fantasia – um das Bild von Howes erneut aufzugreifen – trägt auch die äußerst differenzierte Instrumentation bei: Der verfügbare Orchesterapparat wird in zwei Gruppen und mehrere Solist:innen unterteilt. Detaillierte Spielanweisungen, ausnotierte Atemzeichen und nahezu unmerkliche Tempo- und Taktwechsel erzeugen das Gefühl textbedingter Rhythmusgestaltung – und lassen das Werk wie eine Hommage an die Chormusik insgesamt, und nicht nur an das Thema von Thomas Tallis, wirken.

Hubert Parry – Songs of Farewell

»Farewell«: Ein Zyklus, der den Abschied gleich in mehrfacher Hinsicht in sich trägt. Sowohl die zugrundeliegenden Texte, die bis zum Psalm 39 des Alten Testaments zurückreichen, als auch die Entstehungszeit kurz vor Parrys Tod im Jahr 1918 unterstreichen das Bild von Abschied, Vergänglichkeit, aber auch Hoffnung. Vielleicht wurde aus diesem Grund eines der »Songs of Farewell« (There is an old belief) bei Parrys Beerdigung gesungen:

Es gibt einen alten Glauben,
Dass an einem fernen Ufer,
Jenseits der Sphäre der Trauer,
Liebe Freunde sich wieder treffen werden.

Entstanden sind die Werke aus persönlicher Betroffenheit. Während des Ersten Weltkriegs leitete Parry das Royal College Of Music und unterrichtete zahlreiche angehende Komponist:innen, darunter Ralph Vaughan Williams und Gustav Holst, während andere seiner Studenten im Krieg ihr Leben verloren. Die tiefe Trauer um die unmittelbaren Geschehnisse, sowie die bittere Enttäuschung über den Kriegsverlauf – Parry war ein großer Bewunderer deutschen Kulturguts und hätte es nie für möglich gehalten, dass Deutschland und Großbritannien miteinander Krieg führen würden – verarbeitete Parry in seinem Zyklus. Die gleichermaßen anspruchsvolle wie ausdrucksstarke Führung der Einzelstimmen sowie ihr eng verwobenes Miteinander erinnern an Chormusik früherer Jahrhunderte. Zugleich arbeitet Parry mit experimentellen, teils frischen und teils trüben harmonischen Wendungen und schafft so eine zwar idiomatisch behaftete, klanglich dennoch eigenständige Komposition. Ebendieses Wechselspiel von neu und alt findet sich ebenfalls in den ausgewählten Texten: Wenngleich sie schon zu Parrys Zeit der Vergangenheit angehörten, hatte ihre Bedeutung nichts an Aktualität verloren.

Edward Elgar – Introduction and Allegro

Den Spagat zwischen Tradition und Moderne vollzieht auch Edward Elgar mit seinem virtuosen »Introduction and Allegro«. Während sich diese zweisätzige Form gerade im 19. Jahrhundert großer Popularität erfreute – etwa bei Robert Schumann, Carl Reinecke und später auch bei Maurice Ravel –  erinnert die von Elgar gewählte Besetzung (Streichquartett und Streichorchester) an die barocke Tradition des Concerto Grosso. Mit diesem historischen Gattungsvorbild, das im 18. Jahrhundert zunehmend vom instrumentalen Solokonzert abgelöst wurde, teilt das Werk sowohl den virtuosen Anspruch als auch das Mit- und Durcheinander von Soloquartett und Tutti.

Barocke Techniken – so etwa das Fugato des zugrundeliegenden walisischen Themas (zu dem er, nach eigenen Angaben, durch die Erinnerung an ein Lied, welches er während seines Urlaubs in Cardiganshire in der Ferne gehört haben soll, inspiriert wurde) – werden durch romantische Idiomatik und seine unverkennbare Behandlung des Streichorchesters zu einem genuin eigenen Klangbild. Der oft hervorgehobene virtuose Spielanspruch ist dabei keineswegs Selbstzweck, sondern unmittelbares Ausdrucksmittel einer dramaturgisch und formal vertrackten Komposition. Somit zeugt das Werk von kompositorischer Handwerkskunst, einer profunden Kenntnis der Instrumente und stellt zugleich höchste Anforderungen an das darstellerische Vermögen des Orchesters. Tatsächlich wurde »Introduction and Allegro« 1905 anlässlich eines dem Komponisten gewidmeten Konzerts konzipiert und komponiert, bei dem die musikalische und spielerische Qualität des neu gegründeten London Symphony Orchestra präsentiert werden sollte. Die entscheidende Idee für das Werk lieferte – wie so oft bei Elgar – sein Verleger und Freund, August Jaeger.

Joanna Marsh – Threadlands

Anders als beim Duo Jaeger/Elgar gestaltete sich die Zusammenarbeit zwischen der Komponistin Joanna Marsh und dem Dichter Mark Fiddes. Während Marsch die Idee und Struktur zum Libretto für »Threadlands« hatte, war es Fiddes, der durch »sein Gespür für den Ausdruck die Bildsprache schärfte und ihre Wirkung vertiefte«, so die Komponistin. Kein Wunder, dass ausgerechnet Fiddes für dieses Libretto infrage kam: zeichnet ihn doch nicht nur sein virtuoser Umgang mit der englischen Sprache aus, sondern ebenfalls die gemeinsame Erfahrung mit Marsh, für viele Jahre im Ausland zu leben und entsprechende kultur- und identitätsstiftende Fragen künstlerisch zu verarbeiten.

»I think what we share is a curiosity about how people form identity and meaning, particularly in relation to place.«

Sprachbildlich portraitiert durch zwei Weberinnen, die, ohne voneinander zu wissen, an unterschiedlichen Orten und doch zur selben Zeit, in freudiger Erwartung, derselben Tätigkeit nachgehen, scheint das Werk (ähnlich wie die »Ode an die Freude« am Ende von Beethovens 9. Sinfonie) die Verbundenheit aller Menschen über kulturelle, geografische und politische Grenzen hinweg zu proklamieren.

Die librettistische Dichotomie von Dualität und Einheit aufgreifend, sind es gleich zwei Chöre, die mal dialogisch-komplementär, mal versöhnlich-unisono die Textgrundlage zu Gehör bringen. Diese sprachliche und damit unmittelbar menschliche Dimension der Komposition wird durch eine Nonverbale bereichert: das Orchester. Befasst sich der erste Satz mit dem friedvollen Gemeinsamen (»Beneath One Sky«), so kommt in »The Thread Pulls« eine wesentlich dynamischere Komponente hinzu: Der verbindende Faden wird zum Symbol der Verstrickung. In »The Land Speaks« erhebt sich die Erde selbst als Stimme. Ruhig, zeitlos, mahnend. »Du gehörst mir« klingt als Erinnerung an die größere Ordnung des Lebens, bevor am Ende (»She sews«) die häuslichen Bilder zurückkehren, überschattet von Verlust. Das Nähen wird zum Akt des Abschieds, während eine Mutter für Frieden betet.

»Threadlands« ist eine Auftragskomposition des RIAS Kammerchor Berlin und erlebt nach der Uraufführung in der Berliner Philharmonie mit dem Ensemble Resonanz hier seine Hamburger Erstaufführung.

Texte von Theresa Carlsson

Songtexte & Übersetzungen

Hubert Parry: Songs of Farewell

Joanna Marsh: Threadlands

Abschied auf Zeit...

Besetzung

Joanna Marsh studierte Komposition bei Richard Blackford und Judith Bingham. Von 1998 bis 1999 war sie Studentin an der Royal Academy of Music, von 1989 bis 1992 Orgelstipendiatin am Sidney Sussex College, Cambridge, und von 1997 bis 2000 Schulorganistin am Christ’s Hospital. Später wurde Marsh 2015 für fünf Jahre zur Composer in Residence am Sidney Sussex College in Cambridge ernannt. In dieser Zeit schrieb sie fünf Werke für den College-Chor und die College-Orgel.

Marshs Leben im Nahen Osten (Dubai) bot viele musikalische Gelegenheiten, darunter ein Orchesterwerk zur Feier des Baus des Burj Khalifa, einen Auftrag für das BBC Symphony Orchestra für die ersten BBC Proms in Dubai 2017, eine Fanfare für den Besuch der Queen in Abu Dhabi 2010 und musikalische Arrangements für den ersten Besuch des Papstes im Nahen Osten 2019.

Der RIAS Kammerchor Berlin, vor 78 Jahren gegründet, zählt zu den weltweit führenden Profichören. Zahlreiche Auszeichnungen wie der Preis der Deutschen Schallplattenkritik, der ECHO Klassik oder der Grammophone Award belegen sein internationales Renommee.

Das Ensemble besteht aus 34 professionellen Sänger:innen und ist besonders für sein präzises Klangbild bekannt. Sein Repertoire reicht von historisch informierten Aufführungen der Renaissance und des Barock über Neuinterpretationen klassischer und romantischer Werke bis hin zu regelmäßigen Uraufführungen.

Seit der Saison 2017/18 ist Justin Doyle Chefdirigent und Künstlerischer Leiter. Mit ihm unternahm der Chor unter anderem eine erfolgreiche Asientournee mit Stationen in Japan und Südkorea. Die unter Doyles Leitung entstandenen Einspielungen, etwa mit Werken von Händel, Bach und de Victoria, wurden von Publikum und Kritik gleichermaßen gelobt. Im März 2026 erschien die Einspielung von Haydns Sieben letzte Worte mit dem Konzerthausorchester Berlin und im Oktober 2026 steht die Veröffentlichung einer CD mit Werken Benjamin Brittens bevor.

1975 in Lancaster geboren, war er zunächst Chorknabe an der Westminster Cathedral in London und später Choral Scholar am renommierten King’s College in Cambridge. Sein internationaler Durchbruch als Dirigent erfolgte 2006 mit einem zweiten Preis bei der angesehenen Cadaqués Orchestra International Conducting Competition in Barcelona sowie mit einem Stipendium bei den BBC Singers, was den Beginn einer andauernden Zusammenarbeit markierte.

Als Gast dirigiert er Klangkörper wie den Schwedischen Radiochor, den MDR Rundfunkchor, den Eric Ericson Kammarkör, den Norwegian Soloists’ Choir, Genesis Sixteen und Orchester wie das Poznań Philharmonic Orchestra, das Finnish Baroque Orchestra, Wrocław Baroque Orchestra, Freiburger Barockorchester, Orchestra of Opera North, Royal Northern Sinfonia und die Kammerakademie Potsdam. Auch als Operndirigent ist Doyle gefragt, insbesondere für Werke von Mozart, Haydn und Britten. In den letzten Jahren realisierte er mit Produktionen für die Garsington Opera, das Buxton Festival und das Orchestra of Opera North sowie die Potsdamer Winteroper im dortigen Schlosstheater.

Violine
Barbara Bultmann**, Hed Yaron Meyerson**, Gregor Dierck*, Skaistė Dikšaitytė, Tom Glöckner, David-Maria Gramse, Corinna Guthmann, Juditha Haeberlin, Christine Krapp, Benjamin Spillner*, Barbara Köbele, Katharina Licht

Viola
Justin Caulley*, David Schlage, Maresi Stumpf, Tim-Erik Winzer*, Alexina Hawkins

Violoncello
Jörn Kellermann, Saskia Ogilvie*, Martin Egidi*, Andreas Müller

Kontrabass
Sophie Lücke*, Raivis Misjuns

** Konzertmeister:in
* Stimmführer:in

In Residence in der Elbphilharmonie
Zuhause auf St. Pauli

Mit seiner außergewöhnlichen Spielfreude und künstlerischen Qualität zählt das Ensemble Resonanz zu den führenden Kammerorchestern weltweit. Die Programmideen der Musiker:innen setzen alte und neue Musik in lebendige Zusammenhänge und sorgen für Resonanz zwischen den Werken, dem Publikum und Geschichten, die rund um die Programme entstehen.

Das 21-köpfige Streichorchester ist demokratisch organisiert und arbeitet ohne feste:n Dirigent:in, holt sich aber immer wieder künstlerische Partner:innen an Bord. Wertvolle kreative Impulse erhalten die Musiker:innen durch die langjährige Zusammenarbeit mit dem Geiger und Dirgenten Riccardo Minasi, der das Ensemble als »Principal Guest Conductor & Partner in Crime« begleitet. Enge künstlerische Partnerschaften bestehen unter anderem mit der Geigerin Patricia Kopatchinskaja, der Bratschistin Tabea Zimmermann, dem Cellisten Jean-Guihen Queyras und der Bühnenbildnerin Annette Kurz. Eine weitere treibende Kraft ist die Zusammenarbeit mit Komponist:innen und die beständige Entwicklung neuen Repertoires.

In Hamburg bespielt das Ensemble Resonanz mit der Elbphilharmonie und dem resonanzraum St. Pauli zwei besondere und unterschiedliche Spielorte. Die Residenz an der Elbphilharmonie beinhaltet die Konzertreihe resonanzen, die seit über 20 Spielzeiten für Furore sorgt. Aber auch mit Kinderkonzerten sowie im Rahmen diverser Festivals gestaltet das Ensemble die Programmatik des Konzerthauses an der Elbe entscheidend mit und setzt Akzente für eine lebendige Präsentation klassischer und zeitgenössischer Musik.